Oranžinė raudona geltona Rothko stiliaus. Kokią meninę vertę turi Marko Rothko paveikslas „Oranžinė, raudona, geltona“ (1961)? Karališka raudona ir mėlyna

– Dabar paaiškinsiu pavyzdžiu iš savo monografijos. Čia žiūrėk. Praėjusio amžiaus pabaiga. Tunelio socialistinis realizmas, kaip mes jį klasifikuojame šiandien. Sovietų Sąjunga paskutiniu atodūsiu. Jaunas ir madingas Sankt Peterburgo menininkas draugų kompanijoje, parūkęs žolę, prieina prie šiukšlių krūvos, ištraukia iš jos kokį blizgantį geležies gabalą - arba dviračio vairą, arba alkūninį veleną - pakelia virš galvos ir pareiškia: „Bičiuliai, dėl lažybų: rytoj aš parduosiu šitą durniuką įmonei už dešimt tūkstančių dolerių“. Tada buvo doleriai. Ir jis parduoda. Klausimas toks: kas ir kada suteikė sankciją šią heroję laikyti dešimties tūkstančių vertu meno objektu?
- Menininkas? - Aš pasiūliau. – Ne. Vargu ar. Tada visi dirbtų menininkais. Tikriausiai... tas, kuris jį nusipirko?
- Viskas! – Marukha pakėlė pirštą. – Koks tu šaunus bičiulis – pažiūrėk į šaknį. Tas, kuris pirko. Nes be jo aplink šį menininką matysime tik minią tokių alkanų kuratorių kaip aš. Kai kas šauks, kad čia ne menas, o tik metalo gabalas iš šiukšlių krūvos. Kiti sako, kad tai menas būtent todėl, kad tai tik aparatūros gabalas iš šiukšlių krūvos. Jie taip pat rėks, kad menininkas yra iškrypėlis ir jį moka kiti turtingi iškrypėliai. Jie tikrai sakys, kad CŽV per vadinamąją perestroiką investavo į nekonformistines antisovietines tendencijas, siekdama kelti jų socialinį reitingą tarp jaunimo – o galutinis tikslas buvo SSRS žlugimas, todėl buvo įvairių idiotų. sumokėjo dešimt grandų už aparatūrą iš šiukšlių krūvos... Apskritai jie daug ką pasakys, būkite tikri. Kiekviename iš šių teiginių gali būti dalis tiesos. Tačiau prieš pardavimą visa tai buvo tik plepalai. O po jo tai tapo atlikto kultūros fakto apmąstymu. Purvina paslaptis šiuolaikinis menas yra tai, kad galutinę teisę į gyvybę jam suteikia arba nesuteikia das Kapital. Ir jis vienintelis. Tačiau prieš tai menininkui turi būti suteikta formali sankcija iš tų, kurie tarpininkauja tarp meno ir kapitalo. Žmonės kaip aš. Meno elitas, sprendžiantis, ar laikyti šlamšto meną, ar ne.
"Bet visada taip buvo", - pasakiau. – Turiu galvoje su menu ir kapitalu. Ten yra Rembrantas. Kažkoks Ticianas. Jų paveikslai buvo nupirkti. Taigi jie galėjo piešti vis daugiau ir daugiau.
- Taip, bet ne visai, - atsakė Mara. – Kai laukinis ant olos sienos nupiešė bizoną, medžiotojai atpažino gyvūną ir mėsa pasidalino su menininku. Kai Rembrantas ar Ticianas rodė savo paveikslą galimiems pirkėjams, šalia nebuvo kuratorių. Kiekvienas monarchas ar turtingas pirklys pats buvo meno kritikas. Objekto vertę lėmė tiesioginis įspūdis, kurį jis padarė norinčiam mokėti klientui. Pirkėjas portrete pamatė stebėtinai panašų į save žmogų. Arba moteris su tokiomis pat rausvomis celiulito raukšlėmis kaip ir jo žmona. Tai buvo stebuklas, nustebino ir komentarų nereikėjo, o apie šį stebuklą sklido gandai. Menas akimirksniu ir be pastangų reprezentavo ne tik savo objektą, bet ir save kaip terpę. Tiesiogiai gyvame kažkieno suvokimo akte. Jam gyvenime nereikėjo meno istorijos pradžios. Suprasti?
Neaiškiai linktelėjau.
– Šiuolaikinis menas, plačiąja prasme, prasideda ten, kur baigiasi natūralumas ir aiškumas – atsiranda poreikis mums ir mūsų sankcijai. Pastaruosius šimtą penkiasdešimt metų menas pirmiausia buvo susijęs su to, kas nėra tiesiogiai apčiuopiama, vaizdavimu. Todėl pačiam menui reikia reprezentacijos. Supratau?
- Neaiškiai. Geriau pažiūrėsiu internete ir...
- Nereikia, ten gausi visokių mėšlų. Klausyk manęs, aš viską paaiškinsiu paprastai ir tiksliai. Jei pirkėjas ateina pas menininką, dirbantį naujoje paradigmoje, jis drobėje mato ne savo veidą, pažįstamą iš veidrodžio, ar celiulito klostes, pažįstamas iš žmonos. Jis ten mato...
Mara sekundę pagalvojo.
- Na, iš karto - didelė oranžinė plyta, po ja raudona plyta, o apačioje geltona plyta. Tik jis nebus vadinamas „šviesoforu rūke“, kaip kai kurie paprasta siela, bet „Oranžinė, raudona, geltona“. O kai pirkėjui pasakoma, kad šis šviesoforas rūke kainuoja aštuoniasdešimt milijonų, gyvybiškai svarbu, kad keli rimti, žinomi ir gerbiami žmonės, stovintys aplink paveikslą, linktelėtų galvas, nes pirkėjas negali pasikliauti savo jausmais ir mintimis naujoje kultūroje. situacija. Meno įstaiga skiria sankciją – ir tai labai rimta, nes tai reiškia, kad parduodamas kūrinys, esant reikalui, bus priimtas atgal maždaug už tuos pačius pinigus.
– Ar jie tikrai tai priims? - Aš paklausiau.
Mara linktelėjo.
– Su paveikslu, apie kurį kalbu, taip jau buvo daug kartų. Jai daugiau nei šimtas metų.
– Kaip atsiranda ši sankcija?
Mara nusijuokė.
– Čia jau ne aštuoniasdešimties, o šimto milijonų klausimas. Žmonės praleidžia savo gyvenimą bandydami gauti šią sankciją – ir patys to visiškai nesupranta. Sankcija atsiranda dėl Brauno protų ir valių judėjimo, susijusio su šiuolaikiniu menu apie investicinį kapitalą, kuris, be abejo, taria paskutinį žodį. Bet jei norite trumpo ir paprasto atsakymo, galite pasakyti tai. Šiandieninis menas yra sąmokslas. Šis sąmokslas yra sankcijos šaltinis.
- Ne visai teisinis terminas, Aš atsakiau. – Gal geriau būtų sakyti „preliminarus sąmokslas“?
– Gali sakyti ką nori, Porfiry. Tačiau meno istorijos terminai turi turėti tokią pat kapitalo sankciją kaip drobė su trimis spalvotomis plytomis. Tik tada jie pradeda ką nors reikšti ir nusipelno, kad įsigilintume į daugybę galimų jų reikšmių. Sartre'as kalbėjo apie „meno sąmokslą“ - ir tai, beje, yra vienas iš nedaugelio aiškių teiginių jo gyvenime. Sartras buvo nupirktas brangiai. Todėl kai po jo kartoju šiuos žodžius, slepiuosi už jam skirtos sankcijos ir atrodau rimta. Ir kai Porfirijus Petrovičius kalba apie „preliminarų sąmokslą“, tai kvepia šiukšlėmis, atsiprašau už mano prancūzų kalbą. Ir niekas po jo to nepakartos.
„Tu ką tik kartojai save“, – pasakiau.
– Taip. IN švietimo tikslais. Bet aš to nedėsiu į monografiją, o Sartre'o senelis. Nes vienintelis būdas gauti patvirtinimą mano monografijai yra susieti ją iš sankcijų, kurios jau buvo skirtos kitiems projektams. Taip save išlaiko meno sąmokslas. Ir visi kiti sąmokslai. Menas jau seniai nebėra magija. Šiandien, kaip teisingai pastebėjote, tai yra preliminarus sąmokslas.
– Kas ir su kuo? - Aš paklausiau.
– Bet tai ne visada aišku. O sąmokslo dalyviams dažnai tenka improvizuoti. Galima sakyti, kad iš šios dviprasmybės gimsta naujiena ir šviežumas.
- Taip, - pasakiau ir sukiojau ūsus. – Kodėl žmogus, suprantantis šiuolaikinį meną, bet nesusijęs su sąmokslu, nepateikia atodangos?
Mara nusijuokė.
– Tu nesupratai svarbiausio dalyko, Porfiry.
- Ką?
– Neįmanoma „suprasti“ šiuolaikinio meno nedalyvaujant jo sąmoksle, nes norint atrasti šį meną, sąmokslininko akiniai turi būti užsidėti. Be akinių akys matys chaosą, o širdis jaus melancholiją ir apgaulę. Bet jei dalyvaujate sąmoksle, apgaulė tampa žaidimu. Juk artistas scenoje nemeluoja sakydamas, kad yra Čičikovas. Jis žaidžia – ir kėdė, į kurią jis atsiremia, tampa trejetu. Bet kokiu atveju kritikui, kuris turi dalį... Ar supranti?
- Maždaug, - atsakiau. „Nesakysiu, kad tai gilu, bet galiu tęsti pokalbį.
– Dabar, Porfiry, turėtum turėti kitą klausimą.
- Kurį?
– Kodėl aš tau visa tai aiškinu?
– Taip, – pakartojau, – tikrai. Kam?
– Tada, – pasakė Mara, – kad nenustebtumėte tuo, ką pamatysite, kai pradėsime dirbti. Turėsite reikalų su labai brangiais objektais. Ir jums gali pasirodyti keista, kad svarstoma apie elektroninę kopiją ar vaizdo instaliaciją, kurią kiekvienas gali padaryti iš atviros kultūrinės medžiagos unikalus daiktas meno ir parduoda už beprotiškus pinigus. Bet tai, patikėkite manimi, tokia pati situacija kaip ir paveiksle „Oranžinė, raudona, geltona“. Jei, žiūrėdamas į tai, priešais save matote šviesoforą rūke, esate pasaulietis – kad ir kaip įtikinamai jūsų samprotavimai skambėtų kitiems pasauliečiams. Prisiminkite pagrindinį dalyką: meno objektams, su kuriais dirbsite, jūsų sankcija nereikia. Ir jie jau turi meno bendruomenės sankciją.
– Kokia tiksliai ši sankcija buvo skirta?
- Porfiry, - atsiduso Mara, - koks tu nedėmesingas. Tokia forma, kokia jie buvo įsigyti.

Katerina Taylor
Paveikslas „Oranžinė, raudona, geltona“ 2012 metais tapo brangiausiu kada nors aukcione parduotu pokario meno kūriniu. Šiuolaikinio meno ekspertė Katerina Taylor paaiškina, kodėl taip yra, Christie aukcione.

1930-aisiais Hitleris ir jo bendražygiai sunaikino tūkstančius meno kūrinių, tačiau naciai netrukus suprato, kad naikindami tariamai „išsigimusią“ meną, praranda pinigus. Godumas išgelbėjo šimtus šedevrų: jie buvo parduoti po prekystaliu, įskaitant JAV. Be to, prieš Antrąjį pasaulinį karą ir jo metu daugelis menininkų imigravo į Ameriką. Taip meninio gyvenimo centras iš Paryžiaus persikėlė į Niujorką. Ten pačiu laiku užsuko tėvų iš Latvijos atvežtas žydų berniukas Markusas Rotkovičius.

Rotkovičių šeima prieš išvykstant iš Latvijos, apie 1910 m. Markusas Rotkovičius -
Kairėje apačioje, rankose laiko šunį. Nuotrauka: Oregono žydų muziejus/
Holokausto tyrimų centras

Markas pradėjo mokytis dailės gana vėlai, po 30 metų. Jo kūrybinio klestėjimo laikotarpis prasidėjo XX amžiaus ketvirtojo dešimtmečio viduryje, o pasaulinė šlovė atėjo iškart po karo. Tuo metu Europa buvo griuvėsiuose, o užjūryje gyvenimas virte virė. Markas įėjo į Nauja mokykla Dizainas“ Niujorke. Ką tik atsirado abstraktus ekspresionizmas, o ten jau buvo galvojama, teorizuojama, eksperimentuojama, studentai bendravo su naujos krypties žvaigždėmis.

Naujos idėjos

Paulius Klee. Ugnis per pilnatį. 1933 m

Trečiojo dešimtmečio pabaigoje Rothko pradėjo dirbti vyriausybinėje organizacijoje, sukurtoje Didžiosios depresijos pasekmėms įveikti. Šiandien žinomas meno regeneracinis vaidmuo, tačiau prieš 80 metų Rothko tapo vienu iš spalvų terapijos novatorių. Jo spalvinio lauko tapyba, kurioje naudojamos didelės, panašios tonacijos spalvų plokštumos, tikrai galėtų padėti atkurti suirutės traumuotą bendrapiliečių psichiką.

Markas Rothko. „Lilit apeigos“. 1945 m

Kaip abstrakčiojo ekspresionizmo atstovas, Rothko kartu su Barnettu Newmanu tapo minimalizmo įkūrėjais – o oranžinės, raudonos, geltonos spalvos reikšmę daugiausia lemia istorinis kontekstas.

Žmonija retai be aiškių priežasčių priskiria objektams ir reiškiniams vertę. Deimantas yra fenomenaliai blizgus, be to, tai yra kiečiausias kristalas. Auksas yra ne tik gražus – jis nerūdija. Rothko įvykdė savo, kaip novatoriško menininko, likimą: jis nenušlifavo formų iki tobulumo, o nuolat atrasdavo naujų.

Markas Rothko. „Oranžinė, raudona, geltona“. 1956 m

Įsivaizduokime, kad Rothko yra mamutas. Jis išnyko, bet mes radome dantį ir parnešėme dantį į namus, kad padėtume gerai matomoje vietoje. Kam? Nes gražu pagal mūsų pačių sugalvotus kanonus. Ir dar todėl, kad tai leidžia mums prisiminti mamutą visu savo puošnumu. "Oranžinė, raudona, geltona" yra mamuto dantis.

Mamutas turi tam tikrą kiekį dantų. Tarkime, penki šimtai. O dantis nori 5 tūkst. Įsivaizduokite, koks jaudulys kyla turguje, kai ten pasirodo toks retas ir toks geidžiamas suvenyras. Rothko paveikslų vis rečiau galima rasti rinkoje, nes beveik visi jie jau yra svarbiausiose pasaulio kolekcijose ir muziejuose. Todėl, jei autoriaus darbas iš tiesų patenka į aukcioną, tada kainos kyla į viršų.

Rusijos meno kūrinių aukciono rezultatų įvertinimas

Dalyvauti buvo priimti tik viešo aukciono rezultatai.
Priklausymą Rusijos menininkams lėmė gimimo vieta. Gimė Rusijos imperija arba SSRS - tai reiškia rusų menininką, neatsižvelgiant į etninę kilmę ir nuolaidas, kaip susiklostė likimas ateityje. Pavyzdžiui, tai, kad Kandinskis skirtingais laikais turėjo ir Rusijos, ir Vokietijos pilietybę, o jis mirė turėdamas Prancūzijos pilietybę, nėra priežastis abejoti, kad menininkas yra rusas.
Taisyklė: vienas dailininkas – vienas paveikslas. Tai yra, situacija, kai, griežtai tariant, visas pirmas vietas tektų skirti Marko Rothko kūrybai, išsprendžiama taip: paliekame tik daugiausiai. brangus darbas ir nepaisyti visų kitų šio menininko paveikslų rezultatų.

Įvertinimas pagrįstas rezultatais, atsižvelgiant į pirkėjų premiją, išreikštą doleriais (Europos aukcionuose rodomi skaičiai, t. y. svarais arba eurais, konvertuojami į dolerius pagal prekybos dienos kursą). Todėl nei Gončarovos „Ispaniškas gripas“, parduotas 2010 m. vasario 2 d. už 6,43 mln. svarų sterlingų, nei Aivazovskio paveikslas „Vaizdas į Konstantinopolį ir Bosforo sąsiaurį“, už kurį 2012 m. balandžio 24 d. buvo sumokėta 3,23 mln. nebuvo įtrauktos į reitingą sandorio valiuta, t.y. svarais, jie yra brangesni už reitinge vietą užėmusius paveikslus, tačiau jiems nepasisekė su dolerio kursu.

1. 86,88 mln Markas Rothko. Oranžinė, raudona, geltona (1961)

Vienas paslaptingiausių mūsų laikų menininkų. Jo gyvenimo kelias tarsi iš prieštaravimų išaustas – in kūrybinių ieškojimų, veiksmais, gestais... Laikomas vienu iš ideologų ir, žinoma, pagrindine amerikiečių abstraktaus ekspresionizmo figūra, Rothko negalėjo pakęsti, kai jo darbai buvo vadinami abstrakčiais. Praeityje gerai žinojęs, kas yra gyvenimas iš rankų į lūpas, kažkada įžūliai grąžino savo klientams absoliučiai fantastišką pažangą šiandienos pinigų atžvilgiu, palikdamas beveik visiškai užbaigtą darbą. Beveik penkiasdešimt metų laukęs savo sėkmės ir galimybės pragyventi iš tapybos, jis ne kartą atsisakė žmonių, kurie panorėję galėtų sugriauti jo karjerą. Bent jau širdyje socialistas, dalijasi Markso idėjomis, priešiškai nusiteikęs turtingiesiems ir turtams, Rothko ilgainiui tapo brangiausių pasaulyje paveikslų autoriumi, kurie iš tikrųjų tapo aukšto statuso atributu. jų savininkai. (Nejuokaujama, rekordinis „Baltasis centras“, parduotas už 65 mln. USD, atkeliavo iš Rokfelerių šeimos.) Svajodamas apie masinės publikos pripažinimą, galiausiai jis tapo paveikslų, kurie iki šiol tikrai suprantami tik ratui, kūrėju. intelektualų ir žinovų. Galiausiai pokalbio su Dievu per savo drobių muziką ieškojęs menininkas, kurio darbai tapo pagrindiniu visų religijų bažnyčios dizaino elementu, savo gyvenimą baigė visiškai beviltiška kova su Dievu. ..

Rothko, prisiminęs gyvenvietę ir kazokus, galėjo nustebti, kad jie taip pat didžiuojasi juo kaip rusų menininku. Tačiau 1930-aisiais Amerikoje buvo daug antisemitizmo - neatsitiktinai menininkas „sutrumpino“ Rotkovičiaus šeimos pavardę. Bet mes jį ne veltui vadiname rusu. Pirmiausia, remiantis gimimo faktu. Latvijos Dvinskas, dabartinis Daugpilis, Marko Rotkovičiaus gimimo metu, yra Rusijos dalis ir išliks iki imperijos žlugimo, iki 1918 m. Tiesa, Rothko revoliucijos nebematys. 1913 metais berniukas buvo išvežtas į JAV, šeima persikėlė į Portlandą, Oregono valstiją. Tai yra, vaikystę ir paauglystę praleidau Rusijoje, kur formavosi mano gyvenimo suvokimas ir požiūris. Be to, kad jis čia gimė, Rothko yra susijęs su Rusija, pastebime, tiek ideologinėmis temomis, tiek konfliktais. Yra žinoma, kad jis vertino Dostojevskio darbus. Ir net Rothko ydos kažkodėl pasaulyje siejamos su rusais. Dėl tam tikrų priežasčių depresija Vakaruose vadinama „rusiška liga“. Tai, žinoma, ne argumentas, o dar vienas prisilietimas prie Rusijos menininko prigimties vientisumo.

Rothko prireikė 15 ilgų metų, kad padarytų naujoviškus tapybos atradimus. Išgyvenęs daugybę figūrinių pomėgių, įskaitant siurrealizmą ir figūrinį ekspresionizmą, ketvirtojo dešimtmečio viduryje jis labai supaprastino savo paveikslų struktūrą, apribodamas. išraiškos priemones keletas spalvingų blokelių, sudarančių kompoziciją. Jo kūrybos intelektualinis pagrindas beveik visada yra interpretacijos dalykas. Rothko paprastai nepateikdavo tiesioginių atsakymų, tikėdamasis žiūrovo dalyvavimu suvokiant kūrinį. Vienintelis dalykas, kuriuo jis neabejotinai tikėjosi, buvo emocingas žiūrovo darbas. Jo paveikslai skirti ne poilsiui, ne atsipalaidavimui ir ne „vaizdiniam masažui“. Jie sukurti empatijai. Vieni juos mato kaip langus, leidžiančius pažvelgti į žiūrovo sielą, o kiti – kaip duris į kitą pasaulį. Egzistuoja nuomonė (galbūt arčiausiai tiesos), kad jo spalviniai laukai yra metaforiniai Dievo atvaizdai.

„Spalvų laukų“ dekoratyvinė galia paaiškinama daugybe specialių Rothko metodų. Jo paveikslai netoleruoja masyvių rėmų – daugiausia plonų kraštų drobės spalvos. Dailininkas sąmoningai tonavo paveikslų kraštus gradientu, kad tapybinis laukas prarado savo ribas. Neryškios vidinių kvadratų ribos – tai irgi technika, būdas be kontrasto sukurti drebėjimo, tariamo spalvinių blokų sutapimo, dėmių pulsavimo, tarsi elektros lempų šviesos mirgėjimo efektą. Šis švelnus spalvos tirpimas spalvoje buvo ypač pasiektas aliejuose, kol Rothko perėjo prie nepermatomo akrilo šeštojo dešimtmečio pabaigoje. O rastas elektrinio pulsavimo efektas sustiprėja, jei žiūrite į paveikslus iš arti. Pagal menininko planą, žiūrovui optimalu trijų metrų drobes apžiūrėti ne didesniu kaip pusės metro atstumu.

Šiandien Rothko paveikslai yra bet kurio garsaus modernaus meno muziejaus pasididžiavimas. Taigi Anglijos Tate galerijoje yra Rothko salė, kurioje gyvena devyni paveikslai iš tų, kurie buvo nutapyti pagal sutartį su restoranu „Four Seasons“. Su šiuo projektu susijusi istorija, kuri puikiai parodo Rothko charakterį. 1959 m. su menininku susisiekė madingo restorano „Seasons“, atidaryto neįprastame Niujorko dangoraižyje „Seagram Building“ (pavadintame alkoholį gaminusios įmonės vardu), savininkų rekomendacija. Sutarties suma šiandieniniais pinigais siekė beveik 3 milijonus dolerių – tai labai reikšmingas honoraras net nusistovėjusiam, pripažintam menininkui, koks tuo metu buvo Rothko. Tačiau kai darbai buvo beveik baigti, Rothko netikėtai grąžino avansą ir atsisakė jį perduoti užsakovui. Tarp pagrindinių staigaus poelgio priežasčių biografai laikė nenorą įtikti valdancioji klase ir linksminti turtinguosius vakarienės metu. Taip pat manoma, kad Rothko sutriko sužinojęs, kad jo paveikslų nepamatys eiliniai pastate dirbantys darbuotojai. Tačiau Naujausia versija atrodo per daug romantiškai.

Beveik po 10 metų Rothko dalį „Four Seasons“ paruoštų drobių padovanojo Tate galerijai Londone. Karčia likimo ironija, 1970 m. vasario 25 d., tą dieną, kai dėžės su paveikslais pasiekė Anglijos uostą, menininkas buvo rastas negyvas savo studijoje – jam perpjautos venos ir (matyt dėl garantijos) didžiulė migdomųjų vaistų dozė. jo skrandis.

Šiandien Rothko kūryba išgyvena dar vieną nuoširdaus susidomėjimo bangą. Vyksta seminarai, atidaromos parodos, leidžiamos monografijos. Dauguvos pakrantėje, dailininko gimtinėje, buvo pastatytas paminklas.

Rothko darbai nėra išskirtinai reti rinkoje (kaip, pavyzdžiui, Malevičiaus paveikslai). Vien jo paveikslų aukcionuose kasmet, neskaitant grafikos, parduodama apie 10–15 kūrinių. Tai yra, netrūksta, bet už juos sumokami milijonai ir dešimtys milijonų dolerių. Ir tokios kainos vargu ar atsitiktinės. Greičiau tai duoklė jo novatoriškumui, noras atverti naujus prasmės klodus ir prisijungti prie vieno paslaptingiausių Rusijos menininkų kūrybos fenomeno.

2012 m. gegužės 8 d. Christie's pokario ir šiuolaikinio meno aukcione 1961 m. drobė „Oranžinė, raudona, geltona“ kainavo 86,88 mln. USD, įskaitant komisinius. Kūrinys yra iš Pensilvanijos meno mecenato Davido Pincuso kolekcijos. Davidas ir jo žmona Gerry 2,4 × 2,1 metro išmatavimų kūrinį nusipirko iš Marlborough galerijos ir ilgam laikui paskolino Filadelfijos meno muziejui. Paveikslas „Oranžinė, raudona, geltona“ tapo ne tik brangiausiu rusų kilmės menininko kūriniu, bet ir brangiausiu atvirame aukcione parduotu pokario ir šiuolaikinio meno kūriniu.

2. 60,00 milijonų dolerių Kazimiras Malevičius. Suprematizmo kompozicija (1916 m.)

Už mano ilgas gyvenimas iš pradžių kartu su Robertu, o po jo mirties 1941 m. – Sonya galėjo išbandyti daugybę meno žanrų. Ji užsiėmė tapyba, knygų iliustracijomis, teatro eskizais (ypač kūrė Diaghilevo baleto „Kleopatra“ dekoracijas), drabužių dizainu, interjero dizainu, tekstilės raštais ir net automobilių derinimu.

Ankstyvieji Sonios Delaunay portretai ir abstrakcijos iš XX amžiaus 10-10 dešimtmečių, taip pat šeštojo–šeštojo dešimtmečio serijos „Color Rhythms“ kūriniai yra labai populiarūs tarptautiniuose ir nacionaliniuose Prancūzijos aukcionuose. Jų kainos dažnai siekia kelis šimtus tūkstančių dolerių. Pagrindinis atlikėjo rekordas buvo pasiektas daugiau nei prieš 10 metų – 2002 metų birželio 14 dieną Calmels Cohen Paryžiaus aukcione. Tada abstraktus kūrinys „Market in Minho“, parašytas 1915 m., per Delaunay poros gyvenimą Ispanijoje (1914–1920), buvo parduotas už 4,6 mln.

32. Michailas Nesterovas 4,30 mln. Baltramiejaus jaunystės vizija (1922)

Jei vertintume savo menininkus savita „rusiškumo“ skale, tai Michailas Vasiljevičius Nesterovas (1862–1942) drąsiai gali būti kur nors sąrašo pradžioje. Jo paveikslai, vaizduojantys šventuosius, vienuolius ir vienuoles lyriškame „Nesterovo“ peizaže, visiškai atitinkantys itin dvasingą herojų nuotaiką, tapo unikaliu reiškiniu Rusijos meno istorijoje. Nesterovas savo drobėse kalbėjo apie Šventąją Rusiją, apie jos ypatingą dvasinį kelią. Menininkas, jo paties žodžiais, „vengė vaizduoti stiprias aistras, pirmenybę teikdamas joms kukliam kraštovaizdžiui, žmogui, gyvenančiam vidinį dvasinį gyvenimą mūsų Motinos Gamtos glėbyje“. Ir, anot Aleksandro Benois, Nesterovas kartu su Surikovu buvo vienintelis rusų menininkas, kuris bent iš dalies priartėjo prie aukštų dieviškų žodžių „Idiotas“ ir „Karamazovas“.

Ypatingas Nesterovo paveikslų stilius ir religingumas susiformavo iš daugelio veiksnių. Jam taip pat įtakos turėjo jo auklėjimas patriarchalinėje, pamaldžioje pirklio šeimoje Ufos mieste su tipiškais rusiškais kraštovaizdžiais ir studijų metai pas keliaujančius Perovą, Savrasovą ir Prjanišnikovą Maskvos tapybos, skulptūros ir architektūros mokykloje (nuo jiems jis perėmė idėją apie meną, kuris paliečia protą ir širdį) ir iš Pavelo Čistjakovo Dailės akademijoje (čia jis ėmėsi akademinio piešimo technikos), kelionėms į Europą įkvėpimo ir gilios asmeninės dramos ( jo mylimos žmonos Marijos mirtis praėjus dienai po dukters Olgos gimimo).

Dėl to 1880-ųjų pabaigoje – 1890-ųjų pradžioje Nesterovas jau buvo suradęs savo temą ir būtent tuo metu parašė „Vizija į jaunimą Baltramiejų“ (1889–1890). Paveikslo siužetas paimtas iš Šv.Sergijaus gyvenimo. Jaunuolis Baltramiejus (būsimasis Radonežo Sergijus) sutiko angelą vienuolio pavidalu ir gavo iš jo Dievo palaima suprasti Šventąjį Raštą ir pranokti savo brolius bei bendraamžius. Paveikslas persmelktas stebuklingo jausmo - tai ne tik Baltramiejaus ir Šventojo Senolio figūrose, bet ir aplinkiniame kraštovaizdyje, kuris yra ypač šventiškas ir dvasingas.

Silpnėjančiais metais menininkas ne kartą vadino „Baltramiejų“ savo pagrindiniu kūriniu: „...jei praėjus trisdešimčiai, penkiasdešimčiai metų po mano mirties jis vis dar ką nors sako žmonėms, vadinasi, jis gyvas, vadinasi, aš gyvas“. Paveikslas tapo sensacija 18-ojoje Keliautojų parodoje ir akimirksniu išgarsino jaunąjį Ufos menininką (tuo metu Nesterovui dar nebuvo trisdešimties). P. M. Tretjakovas įsigijo „Vizija...“ savo kolekcijai, nepaisant bandymų jį atkalbėti nuo, kaip sakė Nesterovas, „ortodoksų klajoklių“, kurie kūrinyje teisingai pastebėjo „racionalistinių“ judėjimo pamatų griovimą. Tačiau menininkas jau buvo pasirinkęs savo meno kursą, kuris galiausiai jį išgarsino.

Su atėjimu Sovietų valdžia Nesterovui su savo religine tapyba atėjo laikas geresni laikai. Menininkas perėjo prie portretų (laimei, turėjo galimybę piešti tik tuos žmones, kurie jam labai patiko), tačiau apie ankstesnes temas galvoti nedrįso. Tačiau kai XX amžiaus 20-ųjų pradžioje pasklido gandas, kad Amerikoje ruošiama didelė rusų meno paroda, Nesterovas greitai nusprendė dalyvauti, tikėdamasis pasiekti naują auditoriją. Parodai jis parašė keletą darbų, tarp jų autoriaus pakartotą „Vizija jaunimui Baltramiečiui“ (1922), Amerikos spaudoje pavadinta „Vizija į Šv. Sergijų paauglystėje“. Nauja versija mažesnio formato (91 × 109), palyginti su Tretjakovo (160 × 211), danguje pasirodė mėnulis, peizažo spalvos buvo šiek tiek tamsesnės, o jaunystės Baltramiejaus veidas buvo rimtesnis. Nesterovas šiuo paveikslu tarsi apibendrina didelius pokyčius, įvykusius nuo pirmosios „Vizijos...“ parašymo.

Nesterovo paveikslai buvo vieni iš nedaugelio nupirktų 1924 m. Rusijos dailės parodoje Niujorke. „Vizija į jaunimą Baltramiejų“ pateko į garsių Nikolajaus Rericho kolekcininkų ir mecenatų Louis ir Nettie Horsch kolekciją. Nuo tada iki 2007 m. darbas šioje šeimoje buvo perduodamas paveldėjimo būdu. Ir galiausiai, 2007 m. balandžio 17 d., Sotheby's Rusijos aukcione drobė buvo pasiūlyta už 2–3 milijonus dolerių ir lengvai ją viršijo. Galutinė plaktuko kaina, tapusi Nesterovo rekordu, buvo 4,30 milijono dolerių. Su šiuo rezultatu jis pateko į mūsų reitingą.

33. Vera Rokhlina – 4,05 mln. Lošėjai (1919 m.)

Vera Nikolaevna Rokhlina (Schlesinger) yra dar viena nuostabi Rusijos emigracijos menininkė, įtraukta į mūsų reitingą kartu su Natalija Gončarova, Tamara Lempitskaya ir Sonia Delaunay. Informacijos apie menininkės gyvenimą labai mažai, jos biografija vis dar laukia savo tyrinėtojo. Yra žinoma, kad Vera Shlesinger gimė 1896 metais Maskvoje rusų ir prancūzės iš Burgundijos šeimoje. Ji mokėsi Maskvoje pas Ilją Mashkovą ir buvo beveik mėgstamiausia jo studentė, o paskui lankė pamokas Kijeve pas Alexandrą Exter. 1918 m. ji ištekėjo už advokato S. Z. Rokhlino ir išvyko su juo į Tiflisą. Iš ten, 1920-ųjų pradžioje, pora persikėlė į Prancūziją, kur Vera pradėjo aktyviai eksponuoti Rudens salonuose, Nepriklausomų asmenų salonuose ir Tiuilri salonuose. Savo tapybos stiliumi ji iš pradžių vadovavosi kubizmo ir postimpresionizmo idėjomis, tačiau 1930-ųjų pradžioje jau sukūrė savo stilių, kurį vienas prancūzų žurnalas pavadino „menine balansu tarp Courbet ir Renoir“. Tais metais Vera jau gyveno atskirai nuo savo vyro Monparnaso mieste, o tarp savo gerbėjų buvo kurjerį Paulą Poiret, Pagrindinė tema tapyboje pasirinko moteriškus portretus ir aktus, o tai galėjo paskatinti pažintis su Zinaida Serebryakova (išliko net Rokhlinos akto Serebryakovos portretas), Paryžiaus galerijose buvo surengtos personalinės dailininkės parodos. Tačiau 1934 metų balandį 38 metų Vera Rokhlina nusižudė. Kas privertė moterį pačiai jėgų žydėjime, jau daug pasiekusią kūrybos srityje, atimti gyvybę, lieka paslaptis. Jos ankstyva mirtis buvo pavadinta didžiausia tų metų netektimi Paryžiaus meno scenoje.

Rokhlinos palikimas daugiausia yra užsienyje, kur Vera praleido pastaruosius 13 savo gyvenimo metų ir kur buvo visiškai atskleistas jos talentas. 1990-aisiais ir 2000-ųjų pradžioje Prancūzijos muziejai ir galerijos pradėjo rengti personalines Rokhlina parodas ir įtraukti jos darbus į grupines Paryžiaus mokyklos menininkų parodas. Apie ją sužinojo kolekcininkai, jos darbai buvo pradėti pardavinėti aukcionuose ir visai neblogai. Pardavimų ir kainų pikas įvyko 2007–2008 m., kai apie šimtą tūkstančių dolerių už gero formato Rokhlinos paveikslą tapo įprasta. Ir štai 2008 m. birželio 24 d. Londono „Christie's“ vakariniame impresionistų ir modernistų aukcione Veros Rokhlinos kubistinis paveikslas „Lošėjai“, nutapytas prieš emigraciją, 1919 m., netikėtai buvo parduotas 8 kartus brangiau nei numatyta – už 2,057 mln. 4,05 mln. JAV dolerių), o apytikslis 250–350 tūkst.

34. Michailas Klodtas – 4,02 mln. Naktis Normandijoje (1861 m.)

35. Pavelas Kuznecovas – 3,97 mln. Rytų miestas. Buchara (1912 m.)

Vienam iš organizatorių Pavelui Varfolomeevičiui Kuznecovui (1878–1968), ikonų tapytojo iš Saratovo sūnui, Maskvos tapybos, skulptūros ir architektūros mokyklos absolventui (kur mokėsi pas Archipovą, Serovą ir Koroviną). „Blue Rose“ asociacijos, viena pagrindinių ir, be abejo, labiausiai visuomenėje pripažintų kūrybiškumo temų buvo Rytai. Kai pirmasis Pavelo Kuznecovo simbolistinis XX amžiaus dešimtmečio laikotarpis su pusiau fantastiškais „Fontanų“, „Pabudimų“ ir „Gimimų“ vaizdais išseko, menininkas įkvėpimo iškeliavo į Rytus. Jis prisiminė, kaip vaikystėje aplankė senelį Trans-Volgos stepėse ir stebėjo klajoklių gyvenimą. „Staiga prisiminiau stepes ir nuėjau į kirgizus“, – rašė Kuznecovas. 1909–1914 m. Kuznecovas kelis mėnesius praleido Kirgizijos stepėse, tarp klajoklių, persmelktas jų gyvenimo būdo ir priimdamas juos kaip savo giminę, „skitą“ sielą. 1912–1913 metais dailininkas keliavo po Vidurinės Azijos miestus, gyveno Bucharoje, Samarkande, Pamyro papėdėse. 20-ajame dešimtmetyje Rytų studijos buvo tęsiamos Užkaukazėje ir Kryme.

Šių kelionių į rytus rezultatas – stulbinančių paveikslų serija, kurioje juntama „Goluborozovskio“ meilė mėlynai paletei, ir menininkui nuo vaikystės artima ikonų ir šventyklų freskų simbolika bei suvokiama tokių menininkų patirtis. kaip Gogenas, Andre Derainas ir Georgesas Braque'as, ir, žinoma, visa Rytų magija. Kuznecovo rytietiški paveikslai buvo šiltai priimti ne tik Rusijoje, bet ir parodose Paryžiuje bei Niujorke.

Didelė kūrybinė sėkmė buvo paveikslų ciklas „Rytų miestas“, parašytas Bucharoje 1912 m. Vienas didžiausių paveikslų serijoje „Rytų miestas“. Bukhara“ buvo parduotas aukcione „MacDougall’s“ 2014 m. birželį už 1,9–3 milijonus svarų. nuo šeštojo dešimtmečio vidurio nekeitė gyvenamosios vietos; dalyvavo parodose „Meno pasaulis“, sovietinio meno parodoje Japonijoje, taip pat visose svarbiausiose menininko gyvenimo ir pomirtinėse retrospektyvose. Dėl to už paveikslą Kuznecovui buvo sumokėta rekordinė kaina: 2,37 milijono svarų (3,97 milijono dolerių).

36. Aleksandras Deineka – 3,82 mln. Pirmojo penkerių metų plano herojai (1936)

37. Borisas Grigorjevas – 3,72 mln. Kalnų piemuo (1920)

Borisas Dmitrijevičius Grigorjevas (1886–1939) emigravo iš Rusijos 1919 m. Jis tapo vienu žinomiausių rusų menininkų užsienyje, bet tuo pačiu metu buvo pamirštas tėvynėje ilgus dešimtmečius, o pirmosios parodos SSRS įvyko tik 8-ojo dešimtmečio pabaigoje. Tačiau šiandien jis yra vienas geidžiamiausių ir labiausiai vertinamų autorių Rusijos meno rinkoje, jo darbai – tiek tapyba, tiek grafika – parduodami už šimtus tūkstančių ir milijonus dolerių.

Menininkas buvo nepaprastai efektyvus, 1926 m. jis rašė poetui Kamenskiui: „Dabar aš esu pirmasis meistras pasaulyje.<…>Aš neatsiprašau už šias frazes. Turite žinoti, kas esate, kitaip nežinosite, ką daryti. Taip, ir mano gyvenimas yra šventas nuo didesnio nei vidutiniško darbo ir didesnių jausmų, ir mano 40 metų tai įrodo. Nebijau jokios konkurencijos, jokios tvarkos, jokios temos, bet kokio dydžio ir greičio“.

Bene žinomiausi jo ciklai „Lenktynės“ ir „Rusijos veidai“ – labai artimi dvasia ir skiriasi tik tuo, kad pirmasis buvo sukurtas prieš emigraciją, o antrasis – jau Paryžiuje. Šiuose cikluose mums pateikiama Rusijos valstiečių tipų („veidų“) galerija: senukai, moterys, vaikai niūriai žiūri tiesiai į žiūrovą, traukia akį, o kartu ir atstumia. Grigorjevas jokiu būdu nebuvo linkęs idealizuoti ar pagražinti tų, kuriuos nutapė, atvirkščiai, kartais į groteską įneša vaizdų. Tarp jau tremtyje tapytų „veidų“ prie valstiečių portretų pridedami Grigorjevo amžininkų - poetų, teatro „Menas“ aktorių portretai, taip pat autoportretai. Valstiečių „Rasų“ įvaizdis išsiplėtė iki bendro apleistos, bet neužmirštos Tėvynės įvaizdžio.

Vienas iš šių portretų - poetas Nikolajus Kliujevas piemens įvaizdyje - tapo brangiausiu Boriso Grigorjevo paveikslu. 2008 m. lapkričio 3 d. „Sotheby’s“ aukcione 1920 m. sukurtas kūrinys „Kalvų piemuo“ buvo parduotas už 3,72 mln. USD, o portretas yra 2,5–3,5 mln.

Redakcinė svetainė

Dėmesio! Visa svetainėje esanti medžiaga ir aukciono rezultatų duomenų bazė svetainėje, įskaitant iliustruotą informacinę informaciją apie aukcione parduotus kūrinius, yra skirta naudoti išimtinai pagal str. Rusijos Federacijos civilinio kodekso 1274 str. Draudžiama naudoti komerciniais tikslais arba pažeidžiant Rusijos Federacijos civilinio kodekso nustatytas taisykles. svetainė neatsako už trečiųjų šalių pateiktos medžiagos turinį. Pažeidus trečiųjų šalių teises, svetainės administracija pasilieka teisę pašalinti jas iš svetainės ir iš duomenų bazės įgaliotos institucijos prašymu.

Markas Rothko: paprasta sudėtingos minties išraiška

Vidurinėje mokykloje Rothko dirbo laikraščių pardavėju ir N&S Weinstein Company sandėlyje, 1920 m. © Oregono žydų muziejus

Tada vargšas, bet labai aktyvus Markusas, ne visą darbo dieną dirbantis laikraščių pristatymu, laimėjo stipendiją studijuoti prestižiniame Jeilio universitete, ketindamas tapti teisininku arba inžinieriumi. Bet jis ką tik metė universitetą ir pabėgo į Niujorką tapyti.

Vėliau sekė ilgametis pinigų trūkumas, kūrybinė laisvė ir aktyvios savo stiliaus paieškos. Bohemiškos brolystės su meno žmonėmis ir laimės metai.

1940 metais Rothko pagaliau atsidūrė kosmose sklandančiose spalvų plokštumose. Būtent šios stačiakampės drobės didelis dydis atnešė menininkui šlovę ir finansinę laisvę. Jis buvo suprastas, jaučiamas. Tačiau šlovė laimės neatnešė. Priešingai. Sveikata pablogėjo. Mano santuoka su žmona iširo...

Markas Rothko su žmona ir sūnumi Christopheriu likus maždaug metams iki jų skyrybų, 1968 m

Šio laikotarpio drobės tamsios, kartokos, niūrios. Menininkas persikėlė į savo studiją East 69th gatvėje ir toliau daug gėrė bei rūkė. O po metų, prikimštas antidepresantų, nusprendė, kad nebėra prasmės gyventi, ir išėjo, palikęs daugiau nei 800 kūrinių, kurių bendra vertė virš 20 milijonų dolerių, į kuriuos pretenduos vaikai, fondai, draugai. ...

Markas Rothko „Be pavadinimo“, 1969 m

„Tai vargu ar galima paaiškinti...“ – sakė vienas iš serialo veikėjų. - Galbūt jame [ PP: Rothko paveikslas] ir nėra prasmės. Galbūt mums tiesiog reikia tai pajausti. Kai žiūri, kažką jauti. Tarsi giliai į ką nors žiūrėtum. Gali nukristi..."

Susisiekus su

Rothko yra jaunas, talentingas ir atsidūrė neįsivaizduojamai intensyviame gyvenime kultūrinė aplinka. Apskritai jis neplanavo būti menininku, tiesiog įstojo į draugo dailės koledžą ir užsidegė. Markas lankė Naująją dizaino mokyklą Niujorke. Ką tik atsirado abstraktus ekspresionizmas, o ten jau buvo galvojama, teorizuojama, eksperimentuojama, studentai bendravo su naujos krypties žvaigždėmis.

Naujos idėjos

Jauną godų protą paveikė Andre Bretonas ir Paulas Klee, o po kiek daugiau laiko Rothko atsidūrė Jacksono Pollocko ir Willemo de Kooningo kompanijoje. Jie mąsto panašiai, atsisako figūrinio kanono, įprasto meno vaidmens ir ieško kažko naujo. Jų idėjas palaiko oficialios institucijos. Yra nuomonė, kad abstraktusis ekspresionizmas buvo pasirinktas kaip JAV prekės ženklo formavimo įrankis. Ką mes žinome apie Amerikos antebellum meną? Labai mažai. Apie pokarį yra daug. Tai parodo ne tik talento, bet ir propagandos galią.